Desde el inicio de la historia del arte, la figura de la mujer siempre ha estado presente, como modelos, musas o inspiración de grandes obras. Sin embargo, la figura de la mujer artista quedó relegada a un segundo plano durante gran parte de la historia.
Si bien, poco a poco, se ha conseguido reconocer y poner en el lugar que les corresponde a muchas de estas artistas, años de invisibilización ha provocado que la vida y obra de muchas de ellas se hayan perdido para siempre, en muchas ocasiones por ser atribuidas a sus contemporáneos masculinos.
En este artículo hablaremos de la vida y obra de algunas de estas. Conoceremos la obra de la artista que creó el primer taller formado solo por mujeres; una artista tan importante en su época que llegó a ser pintora de cámara de la mitad de las monarquías europeas; o pintoras de tal domino técnico, y conocimiento detrás de sus trabajos, que sus obras sirvieron para llevar conocimientos científicos a todos los rincones del mundo.

Artemisia Gentileschi

La primera artista de la que vamos a hablar en este articulo es Artemisia Gentileschi, una de las mayores artistas de la pintura barroca.

Artemisia Lemi Gentileschi ( Roma, 8 de julio de 1593-Nápoles, hacia 1656)

Fue una pintora y retratista Italiana. Si bien el sistema gremial de la época dificultaba mucho el acceso a las mujeres a la enseñanza artística, Artemisia tuvo la oportunidad de formarse desde pequeña en el taller de su padre, lo cual fue decisivo para el desarrollo de su obra.
La corriente tenebrista de Caravaggio influyó en la obra de Artemisia, y de los artistas del taller Gentileschi en general. Esto se puede notar en sus cuadros, donde observamos un gran naturalismo y contraste entre luces y sombras.
A los 17 años fue violada por el pintor Angostino Tassi, suceso que marcaría su vida e influiría en su obra. Tras el juicio, Artemisia se mudaría a Florencia donde conseguiría ser la primera mujer en entrar en la Accademia delle arti del disegno.
Después de pasar su juventud formándose por Italia, Artemisia consiguió hacerse un nombre como artista, recibiendo numerosos encargos de la iglesia y la nobleza, ademas de codearse con muchos de sus contemporáneos como Sofonisba Anguissola.
La fama de Artemisia creció de tal manera que fue convocada por diversas cortes europeas, llegando a trabajar como pintora de cámara de Felipe IV de Borbón en Madrid, o de Carlos I en Londres.
Si bien las temáticas tratadas en sus obras eran las típicas del barroco italiano, destacando sobre todo temas bíblicos y retratos, podemos destacar la diferencia que hay a la hora de tratar la imagen de la mujer en las obras de Artemisia. Los ejemplos mas representativos de esto pueden ser los que vemos en algunas de sus obras mas influyentes, como “ Susana y los viejos” o “ Judith decapitando a Holofernes”.
Susana y los viejos es una historia bíblica representada por muy diversos autores. En esta, dos ancianos intentan seducir a Susana, y ante la negativa de esta, los dos ancianos la acusan públicamente de adulterio.
Analizando la obra de Artemisia, podemos observar como representa a una Susana horrorizada, que intenta escapar y apartarse violentamente de la propuestas de los ancianos. En contraste con la representación de la Susana pasiva y calmada que alguno de sus contemporáneos, como Guercino, solían retratar
Tras haberse hecho un nombre y su obra haber sido valorada en casi toda Europa, Artemisia volvió a Nápoles donde viviría hasta su muerte.

Caterina Van Hemessen

La siguiente artista de la hablaremos es una figura fundamental en la historia del arte, conocida por sus retratos, es la autora del primer autorretrato conocido de una artista.

Caterina Van Hemessen (Amberes, c. 1527/1528-idem 1578)

Fue una pintora flamenca del siglo XVI. Formada en el taller de su padre, el pintor Jan Sanders van Hemessen, Caterina pudo acceder a una buena formación artística. Gozando de la protección de diversos mecenas la carrera de Caterina se desarrolló en el campo del retrato, siendo característicos sus retratos sobre fondos neutros.
A pesar de no conocerse demasiado sobre su vida privada, los numerosos retratos que dejó nos permiten datar su obra hasta 1554. En este mismo año, y antes de retirarse del mundo de la pintura, pinta su famosos autorretrato. En esta obra podemos ver a una Caterina que se representa como artista, delante de un caballete mientras pinta, pose que se popularizaría entre los autorretratos de artistas años después.
Catarina murió en Amberes, su pueblo natal, donde fue recordada como una de las artistas flamencas mas influyentes del renacimiento, y la cual dejó el primer autorretrato femenino para la historia del arte.

Sor Plautilla Nelli.

La siguiente artista desarrolló su obra en la época favorita de la historia del arte, el renacimiento italiano. Pintora y monja, Sor Plautilla Nelli ostenta el titulo de ser la primera mujer en representar la ultima cena, ademas de crear el primer taller artístico formado unicamente por mujeres.

Pulisena Margherita Nelli ( Florencia, 1524- 1588)

Nació en una familia de comerciantes de telas florentinos. A los catorce años ingresó en el convento de Santa Catalina de Siena, donde tomaría el nombre de Sor Plautilla Nelli.
La posición acomodada de la familia Nelli había permitido a Sor Plautilla aprender sobre artes desde temprana edad, habilidad que siguió desarrollando en el convento y enseñó a otras monjas.
Las habilidades de Sor Plautilla para la pintura atrajo las miradas de numerosas familias florentinas, recibiendo encargos muy importantes, y permitiéndole fundar un taller formado solo por sus hermanas del convento.
La pintura de Sor Plautilla trata principalmente temas religiosos, los cuales se encargaban para decorar las casas de las familias adineradas. En su estilo delicado y detallista destaca el tratamiento de las telas y los detalles decorativos. En una de sus obras mas importantes, la representación de la ultima cena, podemos observar el cuidado con el que representa los pliegues de las telas de vivos colores, y los pequeños detalles de las cerámicas que se disponen sobre la mesa.
Sor Plautilla falleció en Florencia en 1588. Su obra, valorada como una gran representación de la pintura religiosa florentina, fue restaurada en los últimos años. Tras una serie de restauraciones, La ultima cena de Sor Plautilla Nelli se conserva y exhibe en el Museo Santa Maria Novella.

Sofonisba Anguissola

Sofonisba Anguissola ( Cremona, 1535- Palermo, 1625)

Fue una pintora renacentista italiana, famosa por sus retratos los cuales le conseguirían una fama internacional, llegando a ser pintora de la corte de Felipe II.
La historia de Sofonisba empieza en Palermo, proveniente de una familia adinerada, recibió formación formal en pintura y dibujo desde su juventud. Las conexiones de su familia le permitio viajar y codearse con algunos de los grandes artistas de la época, de los cuales pudo aprender y continuar desarrollando su obra.
Sus retratos se cosecharon una gran fama, llegando uno de los retratos de su familia a manos del rey Felipe II, el cual al quedar impresionado por su técnica la hizo llamar a la corte española en 1559, donde sería nombrada pintora de la corte.
Durante los siguientes años, Sofonisba trabajaría retratando a la realeza y alta nobleza española, pudiendo destacar obras como los retratos de Ana de Austria o el famoso retrato de Felipe II, atribuido durante años a Alonso Sanchez Coello y que actualmente se atribuye a Sofonisba.
La obra de Sofonisba se caracteriza por unos retratos naturalista y de colores brillantes, minuciosos en los detalles, y donde podemos ver fondos muy trabajados al mas puro estilo del renacimiento Italiano.
Sofonisba volvió a Italia donde siguió pintando hasta su muerte en 1625 con 93 años. La figura de Sofonisba Anguissola ha conseguido ponerse en valor, y ser reconocida como una de las artistas mas influyentes de las cortes del renacimiento, ademas de haberse recuperado la autoría de diversas obras que se le atribuían erróneamente a algunos de sus contemporáneos.

Judith Leyster

Judith Leyster (Haarlem, 28 de julio de 1609–Heemstede, 10 de febrero de 1660)

Fue una pintora holandesa del siglo XVII. Su pintura seria muy valorada en la época, destacando sus cuadros de naturalezas muertas. El talento de Judith la llevaría a ser la primera mujer en ingresar en el gremio de San Lucas, la organización de pintores holandeses mas importante de la época.
Judith Leyster nace en Harleem, hija de un empresario holandés, se cree que Judith empezó a comercializar sus cuadros con la intención de aportar dinero a la familia.
En 1633, Judith ingresó como maestra en el gremio de San Lucas, reconocimiento muy difícil de conseguir para una mujer en la época.
La obra de Judith Leyster se caracterizó principalmente por los bodegones, los cuales tenían gran protagonismo incluso en los retratos. Con pinceladas delicadas y colores vibrantes, los bodegones de Judith solían estar compuestos por flores, frutas e instrumentos musicales; siendo destacable su tratamiento de las maderas. A diferencia de mucho de sus contemporáneos, la obra de Judith Leyster destaca por representar escenas de la vida cotidiana, donde vemos a personajes cocinando, leyendo o interpretando música.
Gran parte de la obra de Judith Leyster fue atribuida a su marido, el pintor Jan Miense Moleaner. Sin embargo, la obra de Judith fue redescubierta y puesta en valor en el siglo XIX, volviendo a atribuirle sus obras, y reconociendo la importancia que tuvo en la historia del arte.

Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun.

Llegando al siglo XVIII, la siguiente artista se trata de la retratista mas importante de la Francia prerevolucionaria. Proveniente de familia de artistas,

Marie Lousie Elisabeth Vigée Lebrunn ( Paris, 16 de abril de 1755- Louveciennes, 30 de marzo de 1842)

,empezaría a formarse en pintura desde joven, llegando a ser discípula de algunos de los pintores franceses mas importantes de la época.
Sus numerosos contactos con la elite cultural francesa le dio gran visibilidad a su obra, siendo muy valorados sus retratos y paisajes. En 1783, con solo veintitrés años, es invitada a Versalles donde retrata a Maria Antonieta y a diversas personalidades de la realeza y nobleza parisina.
Su relación con la monarquía provocó que, tras el inicio de la revolución francesa, Viegée Lebrun tuviera que exiliarse. Los siguientes años viajaría por diversos países de Europa, donde se dedicaría a retratar a la nobleza.
En 1802, vuelve finalmente a Francia, donde continúa trabajando como retratista hasta el día de su muerte.
La prolífica obra de Lebrun, teniendo registradas mas de 900 obras entre retratos y paisajes, se caracteriza por los colores pasteles y las pinceladas delicadas. La elegancia de sus retratos, detallistas y plagados de detalles decorativos, convirtieron a Lebrun en una figura destacada de la pintura rococó, y cuyos retratos nos permiten conocer la imagen de muchas de las personalidades francesas del momento.

Berthe Morisot.

Figura clave del movimiento impresionista, la siguiente artista llegó a exponer en los lugares mas prestigiosos de la París del siglo XIX. Sus obras de pinceladas rapidas y abiertas fueron valoradas y admiradas por sus contemporáneos.

Berthe Marie Pauline Morisot (Bourges, 14 de enero de 1841-París, 2 de marzo de 1895)

Fue una pintora, grabista y litógrafa francesa. Nacida en una familia acomodada, Berthe Morisot recibiría una educación artística desde joven, especialmente en pintura, campo donde mostraria rapidamente sus dotes.
Su interés en el mundo artístico la llevaría exponer sus obras en algunas de las principales galerias de la ciudad, donde conocería a artistas de la época como Degas Manet o Renoir, con quienes tendría una gran relación personal y profesional.
Si bien la figura de Berthe fue relegada durante muchos años a un segundo plano, la puesta en valor de su obra a partir del siglo XX acabaría haciendo que se la reconociera como una de las figuras mas importantes en la vanguardia del impresionismo.
Las pinturas de Berthe Morisot se caracterizan por las pinceladas rápidas y abiertas, donde podemos ver las influencias de las corrientes impresionistas. En su obra podemos encontrar principalmente retratos. Lejos de los antiguos retratos de estudio, los retratos de Morisot se suelen encontrar situados en exteriores o salones, con elementos de fondo como plantas o muebles, los cuales resuelve en pocas pinceladas, perdiéndose en los fondos.

Rosa Bonheur

Si algo tienen en común las artistas es su dedicación a la temática del retrato, sin embargo, la obra de la siguiente artista se caracterizaría por la representación de animales.

Rosa Bonheur (Burdeos, 16 de marzo de 1822-Thomery, 25 de mayo de 1899)

Fue una pintora y dibujante francesa. Hija del artista Auguste Bonheur, Rosa se formo desde joven en pintura y dibujo, desarrollando gusto por la pintura realista y naturalista.
El interés por los animales de Rosa la llevó a viajar por las zonas rurales francesas para estudiarlos en su hábitat natural. Gracias a esto, desarrolló un conocimiento en la fisionomía animal que dotaba de una personalidad única a sus pinturas.
Su obra se engloba dentro de la corriente realista, siendo tan detallada que se llegó a usar en publicaciones científicas. En sus últimos años como artista, su pincelada se vuelve un poco mas suelta, llegando a acercarse en ciertos momentos a un estilo mas impresionista.
Su pintura consiguió una gran fama y reconocimiento, participando en exposiciones a nivel mundial y llegando a ser galardonada con la legión de honor, convirtiéndose en la primera mujer que consiguió tal condecoración.

Marianne North

Siguiendo con la corriente realista, pasamos de una artista que dedicó su obra a estudiar y representar animales a otra que se dedicó a representar las flores.

Marianne North (Hastings, Inglaterra, 24 de octubre de 1830 – Gloucestershire, Inglaterra, 30 de agosto de 1890)

Fue una artista inglesa que dedico su vida y su obra al estudio de la botánica.
Proveniente de una familia acomodada, hija de un político británico, pudo viajar por todo el mundo formándose en botánica.
Fue tras la muerte de su padre en 1855, cuando Marianne North decide dedicarse a viajar por el mundo y pintar plantas.
Los siguientes catorce años Marianne se dedicaría a viajar por parques naturales y selvas de medio mundo, llegando a vivir y pintando la flora de las selvas brasileñas o las costas de las islas canarias.
Sus mas de 800 cuadros fueron donados a la Royal Botanic Garde en Kew, donde en 1884 se inauguraria la Marianne North Gallery.
La obra botánica de Marianne North supondría una gran aportación al mundo del arte y la botánica, pintando especies naturales que hasta ese momento no se habían recogido, y llevando su imagen por medio mundo.

Elisabeth Chaplin

Elisabeth Chaplin (17 de octubre de 1890, Fontainebleau, Francia – 28 de enero de 1982, Fiesole, Italia)

Es una pintora francesa que desarrolló casi toda su carrera en Italia.
Proveniente de una familia de artistas, Elisabeth Chaplin tuvo interés en el mundo del arte desde temprana edad, dedicándose a copiar numerosos cuadros del museo Ufizzi cuando su familia se trasladó a Italia.
La obra de Elisabeth Chaplin se caracteriza por unos colores vivos y planos, influencia de corrientes francesas como los Nabis o la pintura de Gauguin. La temática que desarrolló Elisabeth en sus obras es muy variada, destacando los retratos y las representaciones de los paisajes de la Toscana.
A parte de la pintura, Elisabeth Chaplin se dedicó a otros campos artísticos como la creación de tapices, a los cuales se dedicaría especialmente tras acabar la primera guerra mundial y asentarse en Francia.
La obra de Elisabeth Chaplin le hizo ganarse gran reconocimiento como figura de la corriente posimpresionista, ademas de diversos premios como el de la Legión de honor francesa.

Maria Bashkirtseff

Maria Bashkirtseff (Gavrontsy, Imperio ruso 11 de noviembre de 1858 – París, 31 de octubre de 1884)

Fue una artista y escritora ucraniana-rusa-francesa conocida por su enfoque introspectivo y autobiográfico de su trabajo y su determinación de encontrar su lugar en el mundo como mujer y artista en el siglo XIX.
Además de su carrera como artista, Bashkirtsev escribió un diario íntimo y autobiográfico de su vida, pensamientos y sentimientos. El diario, «Journal de Marie Bashkirtseff», se publicó póstumamente en 1887 y se convirtió en un éxito de ventas en Francia y otros países. En su diario, Bashkirtseff reflexiona sobre su lucha por encontrar su lugar como mujer y artista en una sociedad patriarcal y lucha contra una enfermedad terminal.
Lejos de la vida cómoda y edulcorada en la que Maria se había criado, a la hora de buscar temas para sus pinturas decide salir a las calles y plasmar la crudeza que la sociedad francesa mostraba. En sus cuadros plasma desde las sucias calles de la Paris de finales de siglo, pasando por sus ciudadanos y su día a día.
La vida de Maria Bashkirtseff acabó a la edad de veinticinco años. Si bien su carrera fue corta, la fuerza de sus obras y el crudo realismo de estas le hizo ganarse un lugar en la historia del arte.

Puedes continuar leyendo muy pronto el siguiente artículo: Las mejores pintoras de la historia.  Volumen II.

 

Artículo de: Antonio López Caro